“Ánima” es un ensayo fotográfico con el que pretendo ahondar en el desarrollo y evolución que ha sufrido el concepto de “alma” en el ámbito de la filosofía, así como en las posibles repercusiones que esto haya podido tener en la sociedad y el arte a lo largo de los años. El alma como aliento de vida, como elemento corpóreo o la “mente” como se la denomina en la actualidad en la filosofía científica.

El viaje del alma a través de la historia ha recorrido muchos caminos, pero ninguno de ellos ha tenido un final, por eso el hombre ha seguido buscando de forma casi desesperada qué es o si realmente existe. Con este proyecto quiero recorrer ese viaje desde el inicio, reduciéndolo al paso del tiempo en un solo día acompañándolo con el color de la luz, y sacar de nuevo a la superficie las preguntas que nos llevamos haciendo desde hace siglos “¿Quiénes somos? ¿Qué es el alma? ¿Existe realmente?”

Existe cierto miedo a ser uno mismo.

Este proyecto nace como una forma de autoconocimiento. Un proceso de experimentación a través del que conocerme a mí misma a través de imágenes que expresan lo que con palabras nunca digo, tal vez por no ser capaz, o puede que por miedo.

Hablan de cómo me siento y qué siento al salir de mi zona de confort y acudir a eventos, lugares o encontrarme en contextos totalmente desconocidos para mí o que, por los motivos que sean, no forman parte de mis intereses, pero sí de la mayor parte de la gente. 

Una fiesta de verano, una velada de boxeo o la Navidad en las calles de Vigo. Espacios que son agradables para muchas personas y que para mí representan todo lo contrario.

Semitransparente es un proyecto fotográfico y autobiográfico sobre mi familia, mi identidad y los espacios vacíos.

Semitransparente retrata los cambios del espacio cuando se deja de habitar debido a la partida de familiares y amigos que hasta cierto punto se manifiestan como levedad de presencia en objetos, espacios y recuerdos. Y lo hace desde el onirismo, la subjetividad, la abstracción en la imagen y la fotografía experimental.

Gracias a estas imágenes he podido llenar el vacío del espacio desde la migración de mi madre hace 3 años hasta la fecha.

La expresión El desierto de lo real aparece acuñada por primera vez por el filósofo francés Jean Baudrillard, una de las principales figuras de la post-modernidad, en su ensayo La precesión de los simulacros. Esta expresión toma directamente su referencia de un relato de Borges, El rigor de la ciencia, en el cual nos narra la historia de la creación de un mapa tan detallado que llega a cubrir con exactitud todo el territorio de un imperio. Como es lógico, un mapa de estas características, a escala 1:1 resulta inútil y las generaciones futuras permiten que se destruya, ocurriendo una confusión entre “mapa” y “territorio” al llegar a no diferenciar, al pisarlo, la reproducción de su referente.

Baudrillard toma este relato como alegoría de la simulación, pero la expresión de “el desierto de lo real”, ha quedado en el acerbo popular, entendida como aquel punto en que se confunde realidad y representación, quizás llevada a la fama por la famosa expresión de Morfeo cuando le pide a Neo que despierte en la película Matrix – “bienvenido al desierto de lo real”.

A pesar de que la simulación y el simulacro son temas de los que se pueden citar infinidad de referentes en fotografía, es muy raro encontrar fotógrafos que la hayan planteado de una forma acorde a las tésis de su principal representante en filosofía: el problema se aborda casi siempre de forma platónica, estableciendo una diferencia categórica entre aquello que es la simulación y aquello que es la realidad, mientras que Baudrillard, al hablar de la cultura de la simulación, hace incapié en la imposibilidad de diferenciar entre una cosa y la otra. Mi intención en este proyecto es abordar el tema tratando la práctica fotográfica con una estética acorde a dichos postulados, así como investigar los límites de la percepción, llevando al espectador a dudar de su percepción acerca de lo real-fotografiado.

Respecto al planteamiento formal, partiendo de la alegoría trazada al principio entre “mapa” y “territorio”, estoy estableciendo paralelismos en el terreno de la meta-fotografía, identificando, lógicamente, la fotografía con lo primero y la realidad con lo segundo y viendo cómo chocan entre ellos: cuando se fotografía algo, tridimensional, ese algo, fotografiado, pasa, a través de la cámara, a ser bidimensional. Sin embargo, si fotografiamos de nuevo una fotografía, ésta se anula y vuelve
a parecernos tridimensional. Si introducimos dicha fotografía junto a un elemento real que le aporte contexto, perdemos rápidamente la referencia de qué, en esta nueva fotografía, era fotografía y qué realidad, remitiéndonos a la idea que nos planteaba Borges del mapa que se confundía con su territorio y completando el planteamiento de Baudrillard de la imposibilidad de discernir simulación y realidad.

A la hora de la búsqueda de imágenes, estoy huyendo de los clásicos clichés en los que uno piensa al hablar de la simulación, tales como los parques temáticos y de atracciones y estoy centrándome, también acorde al pensamiento de Baudrillard, en el terreno de la imagen publicitaria. Para él, ésta es “creadora de neo-realidad”, dada la capacidad de la publicidad de incluso llegar a evocar sensaciones que no hemos vivido nunca: si le pedimos a alguien que cierre los ojos e imagine estar a gusto, en paz y tranquilo, suele pensar en una playa con una palmera, porque a fin de cuentas son imágenes que hemos ido absorbiendo, en lugar de rememorar alguna experiencia más personal y, probablemente, significativa.

Se ha comentado mucho que la filosofía de Baudrillard no pretende aleccionar, sino más bien sugerir, casi seducir. Es un autor que roza la literatura y que de algún modo busca más hacer dudar que dar respuestas concretas y, mucho menos, aleccionar. Me gusta pensar en esta serie de fotografías de un modo similar: no pretendo hacer una tesis cerrada, prefiero dejar la puerta abierta a la duda, planteando las fotografías como acertijos en los que tan sólo se pueda intuir lo que se está
viendo, que se pierda el horizonte entre qué es fotografía y qué realidad y que sólo observando minuciosamiente y fijándose en los detalles, sólo quizás, podamos vislumbrar cuál es la respuesta.

Puede ser traducido como transitoriedad, no-permanencia o cambio.
Este Proyecto surge en tiempos de pandemia. Estas fotografías han sido tomadas en cada luna llena de cada mes de cuarentena, alrededor de la misma hora, en el mismo lugar y apuntando al mismo objeto.
Cada mes la proyección de las sombras cambia su orientación, todo cambia aunque sigue en el mismo lugar, una analogía a como nosotros también hemos cambiando mes a mes, estando en un solo lugar, con nuestra sombras proyectándose dentro y fuera de nuestro ser, observando y aprendiendo de lo que esta fuera de nuestro control, como la pandemia y la luna.

A raíz de perder la menstruación por unos meses a causa del tratamiento para resolver un problema hormonal, comienzo el proceso de sanar mi relación con la sangre.

Ante esta pérdida, surgieron muchos miedos y angustias, los mismos que se fueron convirtiendo en una oportunidad de resignificar y valorar la capacidad de dar vida. Nunca había sido consciente del valor de nuestra sangre menstrual, nuestra sangre que representa la vida misma. Cuando la menstruación por fin reaparece, después de meses de espera, surgió en mí una necesidad completamente visceral de comenzar a registrarla y mostrarla. Es así como el proyecto comienza.

Síihil, del maya, nacimiento, busca entablar una relación entre la cosmovisión maya con símbolos como la luna y el mar con respecto al ciclo menstrual.

Mi vida se desarrolló, en términos de la cultura maya, en la isla de la Diosa Ixchel, Diosa de la fertilidad, la abundancia, el amor, el agua, la gestación, la medicina y la luna. Intento relacionar constantemente el vínculo entre estos aspectos simbólicos con la propia sangre menstrual. Es ese el puente, el encuentro.

A su vez, es una búsqueda de la re significación de la menstruación a través de entrar en mi interior, de redescubrirme como mujer, de reconciliarme con mi propio cuerpo, de comprenderlo, explorarlo y honrarlo, es encontrar en cada menstruación una oportunidad para volver a nacer. Intento proyectar ese mundo interno en el mundo exterior que se me presenta donde se conjuga lo crudo con lo simbólico, lo poético. Esta fusión me lleva a terrenos donde encuentro metáforas visuales que me recuerdan este proceso natural. Deseo establecer un vínculo constante entre estos dos mundos.

Este proyecto también es importante porque supone mi propia reivindicación femenina ante el mundo, es la manifestación de una necesidad interna por visibilizar esta transformación con la finalidad de que cada día sea menos tabú, de hacer público lo privado y convertirlo en un punto de encuentro con el otro, un punto donde podemos reconocernos todas y todos.

Dos cartas hechas a mano con 25 años de diferencia fueron el detonante para iniciar un viaje hacia el punto cero. Dos lugares distantes marcaron el momento inicial de un recorrido que a través de 262 km y más de 436.754 pasos de distancia juntaron a un hombre de 28 y una mujer de 24 hace un poco más de 37 años.

Raíces es un proyecto que busca a través de la fotografía encontrar mis raíces, mi pasado y parte de mi presente. Basado en los recuerdos de mi madre y de mi padre, entretejo momentos, objetos, lugares y pensamientos a lo largo de la ruta geográfica existente entre sus lugares de nacimiento. Como una cicatriz que marcó sus vidas para siempre, devela fragmentos de las palabras que en
otrora los conectaron y hoy los separan para siempre, sirviendo como hilo conductor en una historia de amor y odio, que engendró vida y ocultó la muerte, una historia llena de algunas esperanzas, pero muchas frustraciones.

Proyecto fotográfico y sensorial sobre las emociones que provoca el olor de la lluvia en nuestro subconsciente.

Petrichor, del griego antiguo petra, piedra e icor, esencia que corre por las venas de los dioses griegos.
Los olores activan una conexión cerebral casi instantánea con las emociones. En algunos estudios realizados, se ha podido comprobar, que los olores que conocemos, tanto los que despiertan recuerdos positivos como negativos, activan inmediatamente las estructuras más antiguas de nuestro cerebro.

Se cree que nuestro gusto por el olor de la tierra mojada es una herencia de nuestros ancestros, para quienes la lluvia siempre ha sido fuente de vida y sinónimo de supervivencia.
Según los antropólogos, nuestros antepasados establecieron una fuerte conexión positiva con ese olor, que les indicaba que había acabado la peligrosa etapa de sequía y comenzaba la lluvia, que haría renacer las plantas y aumentaba sus probabilidades de supervivencia.

Ciertas plantas exudan un aceite con la finalidad de proteger a las semillas, evitando que germinen en época de sequía. Este aceite impregna la superficie de rocas y muros y al entrar en contacto con la lluvia, se crean unas pequeñas burbujas dentro de cada gota que aumentan de tamaño y flotan. Al alcanzar la superficie, se rompen y liberan una efervescencia de aerosoles en el aire produciendo el distintivo aroma de la lluvia.
Por su compleja composición, el petrichor aún no ha podido ser sintetizado científicamente.

En las imágenes que componen el proyecto, mostramos los diferentes escenarios donde se produce el petrichor.
Las imágenes de muros y piedras se han realizado en época de sequía, cuando poseen el aceite exudado por las plantas.
Las imágenes de las plantas han sido realizadas durante o inmediatamente después de la lluvia, justo en ese instante en que podemos sentir el petrichor, en jardines particulares o espacios públicos que se magnifican con la presencia de la lluvia.

Olvido es un proyecto fotográfico sociodocumental que invita a la conciencia y autoconciencia medioambiental.
Enfatiza en el impacto que tienen nuestras acciones no solo sobre el medioambiente sino sobre la Naturaleza como paisaje y como contenedora y creadora de la tierra que pisamos, como símbolo de la belleza.

En este proyecto, no se interviene en la escena, salvo por la colocación del marco sobre el elemento que se quiere destacar para enfatizar esta “denuncia”.

«En mi escritura estoy actuando como un creador de mapas, un explorador de áreas psíquicas» .W.S.Burroughs

La serie pretende ser un recorrido emocional, más que descriptivo, de la estancia en un hospital. Este “no lugar” de tránsito, totalmente impersonal, se convierte en un lugar provisional, efímero, umbral premonitorio por el que pasar a otros espacios y quizás a otros mundos.

La visión subjetiva de la autora enfatiza las sensaciones que producen a un espectador visitante este espacio, soledad, tristeza, temporalidad y extrañamiento. 

En la serie la fotografía se concibe como un registro de sensaciones que buscan descubrir lo esencial con la mirada, constatando la realidad desde un extraño distanciamiento que desconcierta, lo cotidiano se convierte en irreconocible y trasciende, evidenciando un espacio que se torna fugaz, inquietante y enigmático, cuya  clave se encuentra contenida y a la vez oculta en lo visible.

Habitación nºL es un proyecto que empiezo gracias a las historias que los clientes de mi estudio de fotografía me van contando durante años.

En el año 2011, y tras varios años trabajando en prensa, decido abrir mi propio estudio donde realizo sobre todo trabajos de fotografía social. Es aquí donde nace este proyecto, gracias a las historias o vivencias que algunas de las personas que pasan por aquí me van contando. El estudio que regento está situado en una pequeña aldea de la provincia de Pontevedra, en el ayuntamiento de Valga, y es de la zona rural en donde vivo y trabajo, y sobre todo, de la gente de mi aldea, de lo que hablo en este proyecto.

Desde un primer momento tuve claro todos los temas que quería abarcar tras ir anotándolos en una libreta durante años. La soledad, el paso del tiempo, el abandono, la auto creación, el culto al cuerpo o incluso lo rápido que evolucionamos para unas cosas y al mismo tiempo lo rápido que involucionamos para otras. Todo estas historias decido representarlas a través de unos espacios de fotografía construida donde algunas de las personas protagonistas de las historias reales deciden interpretar sus propias vivencias, haciendo de este lugar un espacio de libertad.

Éste es el diario visual que he llevado a cabo durante la pandemia que nos ha asolado durante la primavera del 2020.

Utilizando un diario físico como herramienta, plasmé en sus páginas las sensaciones y emociones que yo misma experimenté durante algunos meses. A través de la fotografía, la escritura y la experimentación con otras disciplinas, este diario visual me sirvió como terapia artística para no volverme loca. Trabajé en él en torno al autoconocimiento y pude observar cómo evolucionaba mi sentir respecto a la situación sanitaria y cómo cambiaba con ella mi entorno más cercano.